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domingo, 18 de noviembre de 2018

CATEDRALES GÓTICAS




El exterior

VOLUMETRÍA DEL EDIFICIO
En el gótico, el sentido ascensional de las formas y la intensa luminosidad del interior de los edificios recrean el espacio ideal para acercarse a un Dios más humano : Un reflejo de la “ Jerusalén celestial ” de la que habla el apocalipsis de san Juan , con sus “ puertas de perlas”, “sus calles de oro puro y vidrio transparente ”.

 Los avances en la técnica constructiva del gótico hará posible plasmar en piedra y de forma simbólica tales visiones.


 LA PLANTA
LA PLANTA DE LA CATEDRAL GÓTICA - LA ARQUITECTURA GÓTICA -

La planta de las grandes iglesias góticas responde a dos tipos principales:



 de tradición románica.
En él se observan casi las mismas formas que en el estilo románico y más comúnmente la de cruz latina, con girola o sin ella pero con los brazos poco salientes y con los absidiolos o capillas absidiales frecuentemente poligonales.

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 En ellas las cofradías y gremios artesanales, que habían participado en la financiación de la catedral, instalaban las capillas de sus santos patronos .

 Las iglesias abaciales, sobre todo, cistercienses, siguen este tipo con brazos muy salientes como en la época románica. Y en las iglesias menores o populares se adopta como planta más común la de cruz latina o la rectangular y con un solo ábside poligonal en la cabecera.


de salón.

La planta carece de crucero de brazos salientes (aunque no deja de ostentarse más o menos la simbólica cruz de en medio), el templo de salón presenta una disposición basilical y posee, como mínimo, tres naves de igual altura y, por consiguiente, un sistema de iluminación lateral.

 Los espacios interiores son amplios y desahogados, abarcables con una sola mirada y tremendamente unitarios, de ahí que parezcan o tengan el aspecto de un gran salón. En todo caso, la planta se divide en tramos rectangulares o cuadrados determinados por las columnas y arcos transversales y sobre éstos, cargan las bóvedas de crucería.

 Desde mediados del siglo XIII se hace común el abrir capillas en los lados de las iglesias, entre los contrafuertes, para satisfacer la devoción de los gremios o cofradías y del pueblo en general, ya que antes de esta época era raro admitirlas fuera de los ábsides.


ARCO APUNTADO
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El arco apuntado es uno de los elementos técnicos más característicos de la arquitectura gótica, y vino a suceder al de medio punto, propio de la arquitectura románica. El arco ojival es el resultado de la intersección de dos secciones de círculo, es más esbelto y ligero por transmitir menores tensiones laterales, lo que permite elevar la altura de las construcciones, pues gracias a su verticalidad las presiones laterales son menores que en el arco de medio punto, permitiendo salvar mayores espacios.9 A lo largo del gótico el arco apuntado mostró variantes como el trilobulado, el arco conopial utilizado durante el denominado gótico flamígero o el arco Tudor, durante el denominado gótico perpendicular inglés.



ALZADO Y SECCIÓN

El alzado interior de la catedral se articula en:
arcadas que separan la nave central de las laterales;
Triforioa, modo de galería abierta sobre la nave central;

Es una galería con vanos abiertos hacia la nave principal, pero sin suficiente anchura como para ser tribuna. Su función es de mantenimiento y decoración.
En las iglesias góticas se ubica bajo el claristorio; en un primer momento eran galerías sin iluminación exterior, pero en la fase final del gótico se abren al exterior para aportar luz.

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 Claristorio , con vanos cubiertos de vidrieras que posibilitan el paso de la luz exterior



EL INTERIOR

Está dominado por la luz y una sensación de intensa “ desmaterialización ” arquitectónica, gracias a la “ desaparición del muro ” como elemento sustentante.
Este efecto produce sensaciones de ingravidez y transparencia que subrayan el carácter místico y simbólico del espacio de la catedral, que se convierte así en el mismo cielo , no en un cauce para comunicarse con el cielo.

La arquitectura gótica es luz y color , gracias a la profusión de vidrieras que ocupan el espacio del “desaparecido” muro. Esta combinación de luz y color es la mejor representación simbólica de la catedral como “ Jerusalén Celestial La cubierta

Bóveda


La bóveda de crucería es el resultado del cruce entre arcos apuntados , que forman un esqueleto de nervios ; el espacio entre los nervios de piedra se rellena con plementería (material ligero de relleno). La clave de la bóveda es la dovela central que la cierra.

El arco apuntado permite elevar considerablemente la altura de la nave sin que se resienta su estabilidad por el peso de la bóveda, ya que las presiones tangenciales se han reducido.
Las tensiones de la bóveda de crucería, que se resuelven en el exterior con contrafuertes y arbotantes , en el interior descansan sobre pilares . Los nervios de la bóveda acostumbran a prolongarse en baquetones o columnillas adosadas a lo largo del fuste de los pilares, hasta el suelo.


Corte tranversal de una catedral gotica, donde se parecia los diferentes elementos sustentantes de la misma.#arte#gotico:


COLUMNAS


en el estilo gótico perfecto se presenta cilíndrico el núcleo del pilar, rodeado de semicolumnillas (pilastras) y apoyado sobre un zócalo poligonal o sobre un basamento moldurado, a diferencia del estilo románico en que tal zócalo era uniforme y cilíndrico.



 Las columnillas adosadas alrededor del núcleo se corresponden con los arcos y nervios de las bóvedas, cada una con el suyo, según el principio seguido en el estilo románico de que debe corresponder a cada pieza sostenida su propio sostén o soporte. external image Planta+y+alzado+de+la+catedral+de+Chartres..jpg






Corte tranversal de una catedral gotica, donde se parecia los diferentes elementos sustentantes de la misma.#arte#gotico:

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EXTERIOR DEL SISTEMA CONSTRUCTIVO
El objetivo prioritario es contrarrestar el empuje tangencial de la bóveda interior mediante contrafuertes



y arbotantes

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(arcos externos dispuestos en diagonal, que transmiten los empujes de la bóveda interior al contrafuerte exterior)

Suele estar flanqueada por dos torres, rematadas por chapiteles o no; en las imágenes, dos ejemplos distintos.
Imagen relacionada

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 Las torres , agujas ,

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chapiteles (remate piramidal), pináculos (remate cónico o piramidal),


gabletes (remate en punta a modo de frontón)…son utilizados plásticamente para acentuar el impulso ascensional de la construcción gótica
Gorgolas

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FACHADAS Y PUERTAS

En las fachadas y en las puertas el arte gótico despliega toda su magnificencia y su concepción teológica



La iglesia gótica suele tener varias fachadas ; en la de los pies , generalmente se alzan dos torres , de planta rectangular , y terminadas en cuerpos octogonales , o bien rematadas por agudas flechas .



 La portada gótica admite la misma composición fundamental de forma abocinada, que la románica pero se multiplican las arquivoltas y se añade una mayor elevación de líneas con más riqueza y finura escultórica guardando siempre en arcos y adornos la forma propia del nuevo estilo.

 Sobre la puerta se coloca en ocasiones un gablete,

 Es un elemento arquitectónico que sirve como coronación o remate ornamental1 parecido a un frontón. Tiene forma triangular y peraltada, formado por dos líneas rectas y un vértice agudo, y se dispusó en los edificios del periodo tardogótico.

Las puertas suelen ser profundos pórticos adornados de personajes , tanto del Antiguo como del Nuevo Testamento , con manifiesta función didáctica .
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Toda la estructura estará llena de conjuntos escultóricos
jambas ,
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es cada una de las dos piezas de un vano que dispuestas verticalmente, a ambos lados del mismo, sostienen un dintel, un arco o las arquivoltas situadas sobre ellas.

 
Arquivoltas ,



es cada una de los pilares o molduras que forman una serie de arcos concéntricos decorando el arco de las portadas medievales en su paramento exterior, recorriendo su curva en toda su extensión y terminando en la imposta.

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 O de una manera más sencilla, moldura colocada alrededor de un arco. Las arquivoltas, definen a la serie de arcos abocinados que forman una portada.



  Tímpanos


al espacio delimitado entre el dintel y las arquivoltas de la fachada de una iglesia o el arco de una puerta o ventana. También es el espacio cerrado delimitado dentro del frontón en los templos clásicos.

que obedecen a un programa iconográfico con un sentido simbólico : la central dedicada a Jesucristo o María y las laterales a los Apóstoles , subrayando las vías de acceso a Dios.

 Las portadas más suntuosas llevan imágenes de apóstoles y de otros santos bajo doseletes entre las columnillas (y a menudo, también otras menores entre las arquivoltas) flanqueando el ingreso el cual puede estar dividido por un parteluz que sirve de apoyo a una estatua de la Virgen María o del titular de la iglesia.

Rosetones
Destacan, además, los rosetones , uno o tantos como puertas haya en la fachada que surgen como foco de iluminación directa al interior.

palabra proveniente del Latín rosa,1 es una ventana circular calada, dotada de vidrieras, cuya traperiada se dispone generalmente de forma radial.

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sábado, 17 de noviembre de 2018

IGLESIA DE SANTA MARÍA DE TAHULL

Santa María de Taüll es una iglesia románica en la localidad catalana de Taüll, situada en el Valle de Boí (provincia de Lérida, España).

Pertenece al grupo de Iglesias románicas catalanas del Valle de Bohí, declarado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco.
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Se encuentra en el centro del casco viejo de Taüll. A unos cientos de metros al sureste, justo a la entrada del pueblo, se halla la iglesia de San Clemente.

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Ambas fueron erigidas al mismo tiempo y consagradas en 1123. Durante el siglo XVIII, Santa María fue la única parroquia de Taüll, mientras que San Clemente ejercía de capilla del cementerio moderno, pero en los siglos anteriores ambas iglesias habían compartido parroquialidad.

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Como el resto de iglesias de la Vall de Boí, la de Santa María de Taüll fue objeto de venta y canje, el año 1064, por los condes de Pallars Sobirà, Artau I y su esposa Llúcia, a los condes de Pallars Jussà, Ramón IV y su esposa Valença, junto con el castillo de Erill y otras posesiones.

La primera mención específica de la iglesia es del 1123: el 11 de diciembre fue consagrada por el obispo Guillem de Roda-Barbastro, justo un día después de haber consagrado San Clemente de Taüll, iglesia con la cual compartió parroquialidad durante casi toda la Edad Media Iglesia
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IGLESIA
 El exterior muestra una iglesia románica con decoración lombarda en sus ábsides.
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La torre se alza incluida en el edificio, a los pies y en la nave sur. Es de destacar la inclinación divergente que presentan una y otra.

La planta de la iglesia es basilical,


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 con tres naves y tres ábsides, siendo los laterales más pequeños. La decoración externa es lombarda, de arcos ciegos, muy simple y elegante. Es una construcción que sigue el estilo rural de las iglesias del valle de Boí.

 Las  fachadas oeste, norte y sur no tienen ningún tipo de ornamentación. Son perfectamente lisas, pero muestran un aparejo muy regular, hecho con sillares medios muy bien dispuestos en hiladas regulares.

Campanario

Fachada meridional y campanario. La torre del campanario, un poco torcida, no está exenta, como la de San Clemente, pero sigue exactamente el mismo modelo, por lo que su descripción es prácticamente la misma.


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 Es alta y esbelta, como todas las torres lombardas levantadas en el valle de Boí. Corresponde al grupo de torres contemporáneas de las italianas edificadas en el siglo XII, que se construyeron mucho más elegantes que las de la etapa anterior.

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Consta de cinco pisos asentados sobre un zócalo macizo bastante alto. En las cuatro caras de cada piso se repite la misma decoración y el mismo número de ventanas. En el zócalo hay una sola ventana más cinco arcos ciegos. En los otros pisos varía el número de ventanas, separadas por columnas, los capiteles de las cuales están dispuestos perpendicularmente al muro de la torre. Los tres últimos pisos llevan, a manera de imposta, una decoración como la de los ábsides.

Pinturas murales

 Toda la iglesia estuvo decorada con pinturas murales (en los ábsides, los muros y las columnas), que fueron resistiendo en parte el paso del tiempo.

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En 1907, Santa María de Taüll fue uno de los lugares por donde pasó la Misión Arqueológica-jurídica a la raya de Aragón, organizada por el Instituto de Estudios Catalanes, con la misión de proteger el patrimonio artístico catalán. El equipo estaba formado por Josep Puig i Cadafalch, Guillem Marià Brocà, Josep Gudiol, Josep M. Goday y Adolf Mas.2

Unos años después, los eruditos decidieron despegar estas pinturas de su lugar de origen y llevarlas al Museo Nacional de Arte de Cataluña, donde quedan protegidas.

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 Hay que decir que corrían peligro de ser vendidas y exportadas a Estados Unidos. De hecho, una figura de María se conserva desde 1925 en Fogg Art Museum de la Universidad de Harvard.

En algunos tramos de la pared y del ábside central se hizo una reproducción de dichas pinturas, para que el visitante pueda tener una idea in situ.


Varios historiadores de arte, tras estudiar estas obras, han llegado a la conclusión de que, al igual que en San Clemente, sus autores son dos artistas diferentes, pero contemporáneos entre ellos. Debieron trabajar sobre 1123, año en el que se consagraron ambas iglesias.

viernes, 16 de noviembre de 2018

PINTURA ROMANICA DE CASTILLA Y LEÓN

CASTILLA Y LEÓN


 La miniatura mozárabe, junto con matices más naturalista, va a dar lugar a una pintura románica de mayor inspiración y con más capacidad narrativa y toques de paisaje.



 La cripta de San Isidoro de León,

El panteón de los reyes de León, que se encuentra situado a los pies de la basílica de San Isidoro de León, es el lugar en el que durante la Edad Media recibieron sepultura la mayoría de los reyes y reinas del reino de León. Es un espacio rectangular con pórtico, de aproximadamente ocho metros de lado, con dos robustas columnas sobre las que se apoyan siete arcos que dividen el espacio en tres naves.
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El ciclo pictórico que adorna sus muros está considerado una de las cumbres del Románico español.
Pinturas datan del siglo XII, y son seis bóvedas cubierta con pintura donde se utiliza el blanco como elemento plástico para dar volumen. Dentro del convencionalismo característico, los ropajes y los rostros están tratados con una libertad y naturalidad poco corrientes y son fruto de una atención más dedicada al natural.
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A lo largo de los muros y de las seis bóvedas resultantes, se desarrollan los tres ciclos litúrgicos, Navidad, Pasión y Resurrección, formando un itinerario que tiene su inicio en el muro meridional y que, siguiendo el sentido de las agujas del reloj, culmina en la puerta que le da acceso a la iglesia.


Las escenas, que según algunos autores siguen el desarrollo de la misa mozárabe, se estructuran en relación con los tres ciclos litúrgicos:

 La Navidad:



 Anunciación,

Imagen relacionada

Visitación, Epifanía, Natividad, anuncio a los pastores,


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 huida a Egipto, circuncisión

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 y degollación de los Inocentes.

 La Pasión: Última Cena,




 escenas de la Pasión
 y Crucifixión.


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La Resurrección: Gloria de Cristo según el Apocalipsis de San Juan, Maiesatas Domini y entronización del año.

 El conjunto se completa con representaciones de los signos del zodíaco y de un calendario agrícola, aunque las últimas investigaciones al respecto 6​ plantean la teoría de que no es un calendario propiamente, ni está dedicado a los campesinos, sino que es una metáfora sobre el paso del tiempo.

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Durante mucho tiempo los frescos de San Isidoro de León fueron adscritos al estilo francorrománico, que penetró en España gracias a los caminos de peregrinación y a los contactos políticos con Francia y que se estableció en las tierras leonesas, en clara oposición a la corriente que llegaba de Italia, que permaneció en el Nordeste.


Su desarrollo significó, en su zona de influencia, la erradicación definitiva de los restos de bizantinismo, del simbolismo excesivo y la riqueza de los atavíos, y el comienzo de los grandes ciclos historiados hispanos. Algunos expertos ven esta huella francesa en el predominio de fondos blancos, en la predilección por pocos colores fundamentales aplicados en superficies lisas y en su rudeza y gran expresividad.





jueves, 15 de noviembre de 2018

PINTURA DEL ROMANICO EN CATALUÑA

PINTURA ROMÁNICA EN ESPAÑA

Tenemos un gran repertorio de pintura románica, pero se pueden dividir en dos focos principalmente: Castilla y León y Cataluña.


CATALUÑA

 En Cataluña aparecen en el siglo XI importantes pinturas románicas, utilizando una técnica muy peculiar, como es el empleo del fresco retocado al temple dándole a las pinturas mucha más vivacidad

El martirio de San Quirce


 Este caso se podría aplicar en el Martirio de San Quirce. Por lo general resulta muy arcaizante y nos recuerda a la pintura bizantina del siglo VI y VII.


Curiosa pieza de arte hallada en una pequeña localidad de la provincia de Lérida. Se trata de Durro, enclavada en pleno valle de Bohí, en las faldas de los Pirineos.
Allí se encuentra, algo alejada del pueblo, la pequeña ermita románica de San Quirce, un sencillo edificio de una sola nave cubierta con bóveda de cañón, con cabecera absidada y una espadaña a los pies del templo.

De ese iglesia procede el frontal de altar San Quirce y Santa Julita, conservado actualmente en el Museo Nacional de Arte de Cataluña.


 De autor desconocido (aunque se atribuye a un denominado taller de La Seo de Urgell) y realizado probablemente muy a comienzos del siglo XII, este frontal de altar, en pintura al temple sobre tabla y en excelente estado de conservación, narra una piadosa historia: el atroz martirio al que fueron sometidos ambos santos durante la persecución contra los cristianos desarrollada en tiempos de Diocleciano.

De tales hechos existen diversas tradiciones, en ocasiones con argumentos divergentes. Pero siguiendo el relato que nos ofrece la misma pieza, podemos resumir señalando que Julita, apresada en la ciudad de Tarso junto con su hijo Quirce (o Quirico) de tres años de edad, se negó a prestar pleitesía al emperador,


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 por lo cual ella y su hijo fueron conducidos al martirio, que es lo que nos narra el autor, un conjunto de tormentos casi indescriptibles: inmersión en un caldero de aceite hirviendo, cuchilladas diversas, martilleo de clavos en el cráneo y, si no fuera suficiente, aserrado final del cuerpo hasta deshacerlo en diminutos trozos.



En el frontal, las cuatro escenas laterales nos describen las escenas del martirio organizadas en cuadrados, a modo de viñetas.





El centro de la pieza se reserva para una verdadera almendra mística en la que la habitual imagen de Jesús ha sido sustituida por la madre y el hijo, aureolados de santidad. Las virtudes de su pasión les hacen acreedores de este lugar tan destacado.


FRESCOS DE SAN CLEMENTE DE TAHULL




Las pinturas originales fueron trasladadas en 1913 al actual Museo Nacional de Arte de Cataluña, en Barcelona, conservándose en su localización inicial una copia de las mismas.

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Las pinturas que analizamos se encuentran divididas en dos franjas horizontales de distinto tamaño, separadas por una banda con textos. En la franja superior, que se corresponde con el cascarón o zona curvada en vertical de la bóveda, figura en posición central un Pantocrátor o Cristo en Majestad. Se halla sentado, apoyado sobre una franja curvada decorada con motivos vegetales.




 Lo rodea una mandorla decorada con perlas, en cuya parte superior apoya su cabeza y un nimbo de color blanco. Viste una túnica de color gris, a la que se sobrepone un manto de tono azulado.

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 Su rostro, alargado y muy simétrico, presenta una mirada penetrante. Este Cristo Juez alza su brazo derecho en actitud de bendecir, mientras su mano izquierda sostiene un libro abierto en el que puede leerse la frase "EGO SUM LUX MUNDI" (yo soy la luz del mundo) escrita en letras capitales latinas. Además, muestra sus pies desnudos, sobresaliendo de la mandorla y apoyados en una media esfera. A izquierda y derecha de su figura aparecen las letras griegas alfa y omega.

Rodean al Pantocrátor, en la misma franja, cuatro ángeles que portan los símbolos de los cuatro evangelios. El que figura en la zona superior izquierda porta un libro (ya que el propio ángel es el símbolo del evangelio de San Mateo). Bajo él, otro ángel se acompaña de un león (San Marcos). El esquema se repite en la zona derecha, con las representaciones de un águila (San Juan) y de un toro alado (San Lucas). La composición se remata, en los extremos, con la presencia de sendos serafines, dotados de seis alas, en cuatro de las cuales se observan representaciones de ojos.

En la franja inferior se hallan representadas seis figuras separadas en dos grupos de tres por el arco que permite la iluminación interior del ábside.



A nuestra izquierda se encuentran Santo Tomás, San Bartolomé y la Virgen. A la derecha figuran San Juan, Santiago y San Felipe, cuya representación está prácticamente perdida. Sus nombres aparecen indicados en la banda que separa esta zona de la superior. Todas las figuras se sitúan bajo arcos rebajados sostenidos por columnas con capiteles con decoración vegetal. María porta un cáliz, mientras los apóstoles llevan libros que muestran al espectador.

La simbología del ábside de Tahull es bien evidente. Constituye una representación gráfica de un pasaje del Apocalipsis de San Juan, en el que describe la visión de Cristo entronizado rodeado por el Tetramorfos,

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que acabará simbolizando la obra de los cuatro evangelistas. Así pues, nos encontramos ante un tema de hondas raíces en la iconografía cristiana: la Maiestas Domini o Cristo en Majestad, que representa a Jesús todopoderoso en actitud de bendecir al mundo (que se halla a sus pies) pero cuyo rostro (serio y sereno al mismo tiempo)




 SANTA MARÍA DE TAHULL


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La escena principal ocupa la mayor parte de la bóveda: la Virgen en Majestad sentada en el trono con el niño Jesús en brazos bendiciendo.



Ambos rodeados por la mandorla, símbolo de divinidad, reciben la adoración de los RRMM. Tras la mandorla aparece el cielo de estrellado.

 En la franja inferior están pintados los Santos enmarcados en arcos simulando arquitectura, como dato curioso el vano abocinado que ilumina la cabecera queda integrado entre los apóstoles.

En la tercera banda, muy deteriorada, aparecen animales y motivos vegetales y por último la franja inferior simula un cortinaje.
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La parte superior simboliza el mundo celestial y el carácter divino de la Virgen. Los Santos hacen de intermediarios entre el cielo y la tierra. El resto representa al mundo terrenal, menos importante por lo tanto ocupa un espacio mucho más reducido.

Principales características técnicas:

Técnica: pintura mural (preparado el muro con cal y arena) al fresco y con retoques de temple. Estando el enlucido húmedo se aplica el color en bandas.


Utiliza colores planos, predominio de una paleta cromática de blancos, azules, rojos, verdes y amarillos pero transmiten una gran fuerza y vivacidad. Todo el ábside está profusamente decorado, horror vacui.

Hegemonía del dibujo. La línea gruesa, oscura, delimita los clores y las planos cromáticos.

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Ausencia de perspectiva, no se preocupan por la profundidad ni por la luz. La composición se distribuye en bandas superpuestas y delimitadas por líneas horizontales. Representación hierática, antinatural, simbólica,

Las pinturas originales fueron trasladadas al actual Museo Nacional de Arte de Cataluña, en Barcelona, conservándose en su localización inicial una copia de las mismas.


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